活动概况 - 第十一届天桥小年文化庙会暨老舍京味文化节于2月10日收官 活动历时8天 以“戏韵雅集 曲贺新春”为主题[1] - 活动扎根于承载老北京文化记忆的天桥地区 打造了民俗体验、文化讲座、戏曲展演等多元内容[1] 活动内容与模式 - 活动设置了非遗民俗庙会展卖板块 汇聚非遗手工艺品和传统民俗好物[1] - 推出了市集与戏曲展演门票一体化模式 观众可同时欣赏戏曲与感受非遗魅力[1] - 配套推出了3场文化讲座 包括“彩绘脸谱”、“窗花里的年味”以及关于北京市曲剧团历史沿革的讲座[1] 行业合作与演出 - 北京市曲剧团、中国评剧院、北京市河北梆子剧团三家专业院团首度携手 共同带来了12场戏曲展演[4] - 展演剧目包括北京曲剧《我这一辈子》、《正红旗下》 评剧折子戏《花为媒》 以及河北梆子折子戏《武松打店》、《岳母刺字》等[4] 资金来源 - 本次活动由北京文化艺术基金提供资助[4]

行业活动与市场表现 - 2025年中国小剧场戏曲展演研讨活动在上海举行，汇聚全国戏曲界专家，旨在为新时代戏曲艺术转型升级建言献策[3] - 本届展演汇聚全国19个省市自治区的优质剧目，并全新设立“演艺大世界·戏曲创新Lab”孵化单元，实现从“码头”到“源头”的战略升级[5] - 展演市场表现亮眼，总票房超38万元，平均上座率84.66%，观众呈现年轻化、高学历特征，45岁以下群体占比超七成，本科以上学历观众达80.2%[5] 艺术发展与创新路径 - 小剧场戏曲需实现两重破壁：成为戏剧人观念与艺术个性的绽放平台，并牢牢把握观众与市场核心[7][8] - 创作需守住戏曲的神与魂，强化戏剧化表达，创造性活用传统表现手段，实现讲述方式与表现效果的当代化突破[8] - 小剧场戏曲的核心不仅是物理空间的“小”，更在于内容与表达的化学“变”，需在有限体量中实现内容的丰富性，兼顾人性追溯与叙事深度[10] - 发展呈现出强化本体魅力与跨界破圈融合的两极趋势，未来可加大社会探索深度，融入喜剧性、讽刺性与批判性表达，并在艺术形式上大胆探索[10] - 发展需紧扣“思变、应变、求变”核心，坚守“守正创新”根本原则，创新不能脱离守正，中华优秀传统文化是源头活水[14] 市场定位与竞争优势 - 小剧场戏曲具有观演距离近、题材共情强、制作成本低的优势，能更好地贴近观众，形成稳定的观演联结[8] - 需将经济指标、市场指标纳入发展考量，让平台成为兼具艺术价值与市场活力的文化载体[8] - 体量小但题材格局不小，具有论证题材与体裁适配性、便于孵化调整、性价比高易进基层的显著优势，是传统戏曲贴近大众、走进基层的重要载体[12] - 发展要做到“不求大、不求全、不求怪”，重点关注稀有珍贵剧种的传承，扛起守护地方戏曲的行业担当[12] 行业生态与协同关系 - 需关注市场可持续性，以及其对大剧场戏曲的营养反哺，其叙事结构创新等探索可为大剧场戏曲发展提供新思路[10] - 与大剧场戏曲是互补生辉的关系，小剧场要充分发挥自身审美优势，为大剧场输送艺术养分，同时找准自身定位，实现协同发展[14] - 应关注探索性、实验性与示范性，利用“船小调头快”的优势大胆创新，将成熟探索成果转化为大剧场戏曲的创作养分，实现从“小戏”到“大戏”的进阶[12] 创作核心与人才发展 - 发展需兼顾艺术与生存两大核心，兼顾观众满意度与作品艺术品格，其中满意度涵盖社会各界的多元认可，艺术品格是培根铸魂的核心[8][14] - 人才是发展的关键，成功源于一流创作人才的加持，需做到识才、爱才、重才，打造高素质创作队伍[14] - 需关注戏曲本体的突破与传承，守住梅兰芳表演体系等核心美学基因，避免失去戏曲本质[12] - 创作中要守住戏曲本体，深化故事内核，找准经典作品的戏眼与灵魂，让传统题材与当代观众产生精神共鸣[14]

核心观点 - 北京京剧院在小剧场戏曲节上演的京剧《吝啬鬼》成功对莫里哀经典进行了跨文化改编 其核心在于超越了简单的讽刺与技巧炫耀 通过丑角挑梁和细节重塑 将原著对贪婪的批判转化为对现代人孤独、情感缺失及将物质作为情感替代的深刻剖析 实现了从“形似”到“神遇”的当代转译 让观众在笑声中获得共鸣与释然 [2][3][4] 艺术改编与创新 - 该剧将莫里哀笔下400年前的嗜钱角色“阿巴贡”改编为中国古代的“贡老爷” 保留了故事主要骨架 如对儿子放债、争婚、丢钱匣、上公堂等情节 [2] - 改编的妙处在于大胆起用丑行挑梁 突破了传统京剧中丑角多为烘托的惯例 “贡老爷”唱念做舞俱全 在嬉笑怒骂间透出苍凉 [3] - 创新性地设定了由真人扮演的“金钱人”角色 贡老爷与之共舞并唱出“金子啊金子 你比亲人还亲” 通过滑稽的搂抱姿态展现其对金钱的奇异依赖与情感投射 [3] 主题深化与当代共鸣 - 剧作在热闹滑稽的表象下 包裹了关于现代人孤独与执念的内核 需要观众“笑着咬开”才能尝到其中复杂滋味 [2] - 通过结尾处贡老爷钱匣被没收后的大段唱腔 揭示其吝啬根源并非天性贪婪 而是因儿女疏离、人情淡薄 将金钱错认为唯一可掌控、不离不弃的“情感替代”与“安全感”来源 [3][4] - 这使得剧作的讽刺有了温度 从批判守财奴转变为照见现代社会中那些因害怕失去而将情感寄托于物质的老年人 引发观众对孤独、依赖等普遍人性问题的思考 [4] 跨文化改编的艺术价值 - 该改编在莫里哀原著凌厉讽刺的底色上 晕染了一层基于中国伦常的“理解之同情” 实现了从文本翻译到人性共情捕捉与当代转译的升华 [4] - 京剧艺术形式 特别是丑角表演在夸张与克制间的微妙分寸 以及唱念做打丰富的表达语汇 为呈现“既可讽 又可悯”的复杂态度提供了绝佳容器 [4] - 该剧提示成功的跨文化移植关键在于找到跨越文化与时空的人性交汇点 再用自身独特的艺术语言将其“长”在当下的舞台上 形似不如神遇 [4]

公司百年庆典与品牌活动 - 上海天蟾逸夫舞台于2026年2月6日迎来其现址剧场落成开台一百周年纪念日，同时也是品牌诞生110周年[1][5] - 剧场总经理潘熠文在纪念日晚敲响戏锣，正式启动贯穿全年的“百年天蟾”系列演出活动，并喊出“好戏再唱一百年”的口号[1][5] - 百年庆典当晚，上海京剧院献演了岁末封箱大反串剧目《拾玉镯·法门寺》，演出票开票当天即告售罄，现场座无虚席[2][10] 剧场历史与行业地位 - 天蟾舞台现址于1926年2月6日以“大新舞台”之名落成开幕，当时拥有3917个座位，规模冠绝远东[5] - 该剧场一百年来始终专注于演出戏曲，被誉为中国最负盛名的戏曲专业剧场之一，承载着“京角儿不进天蟾不成名”的行业传奇[5] - 剧场已成为上海城市中心不可更改的文化标志，是观众心中观看戏曲的首选之地[5] “百年天蟾”系列演出季规划 - 系列活动以“演展、服务、环境、内控”四大版块为框架，旨在系统提升剧场的艺术呈现、服务、空间与内部管理[7] - “演展”版块为核心，将推出贯穿全年的演出季，涵盖京、昆、越、沪、淮、评等上海本地主要剧种，并广泛邀请黄梅戏、豫剧、评剧等全国代表性剧种来沪交流[7] - 北京京剧院、天津京剧院、江苏省昆剧院等多家国内知名院团已确认参与，构成一场跨地域、多剧种的戏曲盛会[7] 演出季特色内容与人才板块 - 演出季将延续“京昆群英会”、“京剧名家名段演唱会”等品牌项目，并推出“乾旦坤生女花脸”、“东西南北中·皮黄振蟾宫”、“天蟾书会”等特色专题演出[7] - 特别策划三大戏曲人才板块：“蟾宫新咏”聚焦中生代优秀演员；“蟾桂常青”为老艺术家举办个人专场；“青春上场门”关注与扶持戏曲新生代[7] - 自今年起，剧场将引入创作者视角，通过编剧、导演等主创人员的参与及互动，深度展现戏曲创作生态[9] 多元化配套文化活动 - “演展板块”包含剧场史料展、场史专题讲座、全国戏曲院团长及剧场经理论坛、艺术普及教育活动等一系列延伸项目[9] - 活动还包括线上直播推广和特色文创产品开发[9] 百年庆生反串演出详情 - 上海京剧院为剧场庆生献演《拾玉镯·法门寺》，该剧是行当齐全、人物众多的“拴角儿”戏，过去常为戏班岁末封箱演出[12] - 演出名家几乎悉数登场，进行跨行当反串表演，例如武生赵宏运反串花旦孙玉娇，麒派老生鲁肃反串丑行刘媒婆并加入英语台词和网络热梗[12][19] - 其他反串包括：旦角史依弘、冯蕴、李国静反串老生赵廉；丑行严庆谷、老生蓝天反串花脸刘瑾；老生傅希如、陈圣杰反串青衣宋巧娇；老生王珮瑜反串小花脸贾桂；花脸董洪松反串老旦太后等[14][17][19] - 演员为此次反串做了充分准备，如史依弘反复练习录音两个月，王珮瑜求教名家并剃板寸，赵宏运向所有花旦演员请教，演出前由京剧表演艺术家尚长荣亲自把关排练[23]

罗家英的职业生涯 - 粤剧生涯始于严格科班训练，六岁开始练基本功，十四岁正式随父学艺，从跑龙套逐步演至配角[4] - 入行时粤剧已是“夕阳行业”，每年演出不超过50场，薪水不足以负担家庭生活，但因家传缘故坚持下来[4] - 近年来致力于探索创作，将世界经典“嫁接”岭南元素，如改编莎士比亚《李尔王》为粤剧《李广王》，改编黑泽明《罗生门》为实验独角戏《修罗殿》[6] 近期主要作品与活动 - 79岁高龄仍活跃于舞台，于2月4日在北京梅兰芳大剧院推出历时十年改编创作的新编粤剧《大鼻子情圣》[6][7] - 在新编粤剧《大鼻子情圣》中身兼编剧、导演及主演数职，并与妻子汪明荃共同演出[6] - 该剧蓝本为法国剧作家埃德蒙·罗斯丹的经典剧作，创作难点在于原著书信出色，自认文笔不足，后经朋友润色再自行改为粤剧唱腔才完成剧本[6][8] 电影生涯回顾 - 自谦踏入影坛是赶上香港电影黄金年代的“尾巴”，只是“捡到一点点彩头”[8] - 电影生涯里程碑包括凭《女人四十》斩获金像奖与金马奖，凭《大话西游》中唐僧角色走进几代内地观众心里，以及《国产凌凌漆》中“达文西”角色令人印象深刻[8] - 接到唐僧角色时毫无头绪，以绍剧电影《孙悟空三打白骨精》中唐僧形象为蓝本进行揣摩[10] - 提及20世纪80、90年代香港电影工业成熟，年产量一度高达200多部，工作机会多，而当前行业环境变化，新人需更努力并依赖运气与本事[10] 个人近况与行业传承 - 曾于2004年、2014年确诊肝癌，2019年查出前列腺癌，2025年透露前列腺癌复发，正接受抗雄激素治疗，医生评估治疗可维持8到9年[10] - 将自己的生命状态形容为“三对七”，即三分不好，七分很好[10] - 过去一年主要从事商演、拍戏及教学，重点是将父辈及前辈所授技艺免费教给年轻人[12]

行业现状与挑战 - 中华传统戏曲行业长期面临“危”与“机”并存的局面 各剧种在艰难时刻愈挫愈勇乃至“背水一战” [1] - 行业面临的核心挑战之一是观众老龄化 传统戏曲的观众曾以“皓首苍颜”为主 [1] - 当代观众口味多变 被描述为“众口难调” 这给戏曲推广带来挑战 [1] 成功转型与创新案例 - 青春版昆曲《牡丹亭》是行业最具代表性和影响力的一次突破 成功吸引了大量年轻观众 包括“秀外慧中、精致靓丽的青年男女乃至大学生” [1] - 浙江小百花越剧团通过陈丽君、李云霄等演员“仍在不断‘吸粉’” 在全国范围掀起了“青春越剧热” [2] - 上海戏剧学院附属戏曲学校团队探索了“能听、能看、能玩、能学”的全维度沉浸式戏曲观演模式 这是一个非常有价值的探索和实践方向 [2] 推广策略与用户连接 - 成功的关键在于抓住现代人的心理需求、击中年轻人的时代审美 [1] - 推广活动注重沉浸、体验、互动 例如通过邀请学生上台体验武生行头与身段 让参与者深感“戏曲演员原来这么不容易” 这种“好玩、有趣”的体验是吸引年轻学子走近传统戏曲的有效第一步 [1] - 通过全程导讲、亲自主持以及幽默温情的方式 实现了台上台下的融合 使“传统现代犹如无缝链接” [1] 行业发展的核心要义 - 传统不代表古板 经典也不是一成不变 关键在于当代戏曲人如何在变革突破中“把住本、把好度” 使得传统戏曲不失风骨又更添惊喜 [2] - 尽管外在形式（“现代外衣”）不断变化 但一代又一代人骨子里对“美”的追求、对“情”的渴望、对“笑”与“泪”的真切共情是不变的 这是连接传统戏曲与现代心灵的基础 [1] - 传统戏曲与现代心灵的距离并不遥远 [3]

核心观点 - 山西蒲剧艺术院演出二团成功将莎士比亚经典悲剧《奥赛罗》改编为小剧场蒲剧《奥赛罗·疑心》，该剧通过深度本土化、戏曲化与现代化的创造性转化，实现了东西方戏剧美学的跨时空对话，并为传统戏曲的现代化转型探索出新路径 [1][3][4] 创作与改编 - 该剧是首部“蒲剧中的莎剧”，编剧将故事背景移至中国北朝十六国时期，并对主要人物进行了本土化重塑，如将奥赛罗化为胡人大将军罗赛，使主线更集中以适应小剧场“轻量化”的演出特点 [3] - 创作团队坚持保留原著“罗赛杀妻”的悲剧结局，而非迎合传统戏曲中“妻子自戕”的伦理逻辑，这体现了对原著精神的尊重以及对当代戏曲观众接受能力的信任 [10] - 导演明确提出“守正创新”的创作原则，在表演中坚持使用传统技法，如主演在《杀妻》一场中扎靠登场并融入蒲剧《战冀州》的“僵尸摔”技法 [11] 艺术特色与表现 - 该剧从原著中提炼“疑心”作为全剧精神内核，并运用蒲剧特技（如翎子功、水袖功）及舞台视觉手段（如屏风、光影）将其外化，使戏剧冲突触及普遍人性困境 [6][7] - 蒲剧艺术高亢激越的梆子声腔、刚健豪放的表演程式，与莎翁悲剧的雄浑气魄高度契合，成为承载人物猜忌、愤怒与绝望情绪的绝佳载体 [9][13] - 作品充分发挥了青年表演艺术家南征文武双全的禀赋，融合须生唱腔与武生技艺来刻画人物，同时其他演员在行当跨越和特技展示上也扎实体现了创作理念 [4][11] 行业意义与探索 - 该剧以一种“小剧场戏曲主体性”的姿态处理跨文化改编，其成功实践表明无需让戏曲削足适履演绎西方经典，而应让经典文本进入当代戏曲审美体系接受转化 [10] - 作为上海小剧场戏曲节“戏曲·呼吸”主题的绝佳诠释，该剧在吸收传统文化精华的基础上，呼出新想法、新形式、新理念，为戏曲艺术的现代变革提供了鲜活范例 [13] - 该剧打破了传统戏曲忠孝节义的表现范式，坚守蒲剧慷慨悲歌的底色，以现代审美视角激活经典，在跨文化改编与传统戏曲现代化转型的双重探索中探索出新路径 [4]

行业趋势与机遇 - 传统戏曲传播面临受众老龄化、传播碎片化、场景单一化的困境 [1] - 短视频与微短剧的兴起为非遗破圈提供了机遇 [1] - 政府工作报告提出将强化微短剧、文博文创、网络视听等新兴文化产业与旅游融合 [3] 融合策略与模式 - 戏曲与短剧融合的核心是取戏曲之核，适配短剧之形 [3] - 可打造戏曲微剧场，用短剧还原经典折子戏高光片段，保留正宗唱腔与身段 [3] - 可创作戏曲跨界短剧，将戏曲元素融入现代剧情与文旅场景 [3] - 例如以桂林地标为背景，用彩调节奏搭配生活化台词，打造“非遗+桂林山水”文旅短剧 [3] 技术应用与价值转化 - 借助VR拍摄、互动剧情等技术，让观众从旁观者变为参与者，如设计互动微短剧让用户选择剧情走向 [4] - 以“流量池”反哺“线下场”，将微短剧爆款转化为文旅IP，如延伸实景演出、主题研学 [4] - 实现非遗、文旅与民生的多元共赢 [4] 内容创作原则 - 制定“三不原则”以平衡守正与创新：不篡改戏曲核心程式，如桂剧的“唱念做打”和彩调的“扇子花”“矮桩步”必须原汁原味 [4][5] - 不扭曲文化价值内核，坚守根脉、与时俱进 [5] - 不迎合低俗趣味，与抖音、B站等平台合作设立审核专班，确保内容兼具年轻化与格调 [5] 未来发展方向 - 将持续推动传统戏曲与现代传播、技术的深度融合，坚守“三不原则” [5] - 目标是让桂剧、彩调等活态文脉在新时代焕发更强生命力，让更多人了解、喜爱、传承桂林非遗 [5]

昆曲艺术传承与人才培养体系 - 1954年华东戏曲研究院创办第一届昆曲训练班“昆大班”，招收学员60名，汇聚十多位“传”字辈名伶作为开蒙老师，奠定了现代昆曲传承的重要基础 [1] - 党和政府为抢救文化遗产，对昆大班60名学员的未来发展给予了殚精竭虑的关怀与支持 [5] - 以蔡正仁、岳美缇、张洵澎为代表的昆大班艺术家，已成为中国戏曲的国宝级人物，并悉心带教学生，其身后已涌现出张军、沈昳丽、谷好好、黎安等一大批中青年艺术家，以及昆五班等新生力量，确保了六百年昆曲后继有人 [10] 经典剧目《白蛇传》的演绎与创新 - 昆大班开学第一课即是观摩“传”字辈老师演出的《白蛇传·断桥》，该剧目对学员艺术生涯产生了终生影响 [1] - 蔡正仁在《白蛇传》中饰演许仙，于1961年上海青年京昆剧团赴香港演出时，对《惊变》一折的表演进行了创新，设计了撩帐子、发现蛇、扔酒杯、门外跑、吓死、倒地等高难度动作，在香港大会堂音乐厅（1400座）连演12场，获得满堂彩 [1] - 岳美缇在毕业大戏京昆合演《白蛇传》中饰演许仙，塑造了“纯厚而不傻气，淳朴且深情”的形象，并为“惊变”中的“硬僵尸”倒地动作坚持排练演出，以致挫伤肩膀 [2] - 袁雪芬邀请张洵澎与言兴朋合作，排演了一出融合袁派、徐派、吕派且昆味浓郁的越剧《断桥》，该剧在拥有2062座的人民大舞台演出时轰动一时，成为经典 [3][4] 经典剧目《牡丹亭》的演绎与发展 - 昆大班开学第一天亦演出了《牡丹亭·游园》，该剧目缠绕了艺术家们漫长的一生 [5] - 张洵澎的《寻梦》和岳美缇的《拾画叫画》被认为是昆剧舞台上美到极致的化身，张洵澎在表演中融合了刀美兰的舞姿、篮球的步伐、武术的力度，让一出“冷戏”有了热度 [5] - 岳美缇因一次临时反串柳梦梅获得梅兰芳等名家高度好评，后在俞振飞校长的坚决劝说下改行女小生，她与华文漪搭档的《牡丹亭》被俞校长称为“舞台上最佳伴侣” [6] - 为突破困境，蔡正仁带领上海昆剧团创排了由王仁杰缩编的三本《牡丹亭》，并于千禧年之夜作为香港新建葵青剧院的揭幕大戏演出，轰动一时 [9] - 1997年，张洵澎与蔡正仁联袂拍摄了四集昆曲电视剧《牡丹亭》 [5] 艺术家个人成就与行业贡献 - 蔡正仁是俞振飞最为得意的弟子，被誉为“俞门长徒”，在昆大班学习了五六十出传统折子戏 [8] - 蔡正仁在昆曲艰难时刻临危受命出任上海昆剧团团长，奉献十八年，被评价为“有大演员，是好团长”，并为昆曲的传承、保护和发展积极参政议政 [9] - 2007年，70岁的蔡正仁创排四本《长生殿》，其中一曲十几分钟的“夜雨闻铃”独唱，展现了昆曲大官生的巅峰光彩 [9] - 岳美缇成功塑造了多个深入人心的书生形象，如《跪池》中的陈季常、《琴挑》中的潘必正、《受吐》中的秦钟等 [7] - 张洵澎在艺术上转益多师，其“澎”派水磨腔具有迷人魅力，并有“三立姚门”向姚传茗求教的佳话 [5]

文章核心观点 - 著名剧作家徐棻以九旬高龄推出其川剧创作生涯的收官之作《红楼之凤》 该剧首演获得成功 但她也指出了川剧编剧行业面临人才青黄不接的严峻挑战 [1][5] 关于《红楼之凤》剧目本身 - 《红楼之凤》是徐棻的第三部“红楼戏” 也是其早年作品《王熙凤》的“姊妹篇” 保留了“诓尤”“堕胎”等经典折子戏和情节 [1] - 新剧结构更为精炼 叙事更加紧凑有力 并新增“红楼跛道人”这一旁观者形象以增加哲思 [2] - 剧名《红楼之凤》匠心独运 既指王熙凤 又隐喻元春 形成双凤呼应 使主题层次饱满 [2] - 该剧在人物塑造上打破了传统“非黑即白”的脸谱化刻画 更立体地展现了王熙凤等角色的复杂人性 [2] - 为打造该剧 徐棻在剧本、舞美、音乐、道具、服装等各个环节均倾注心血 并与主创团队反复推敲 [2] - 徐棻在剧目成型后坚持到场验收联排、彩排和录像 对灯光、雪花、音乐、演员站位节奏等细节均提出关键意见 [2] 关于剧作家徐棻 - 徐棻出生于1933年 是川剧史上首位女性剧作家 自1961年调入成都市川剧院任编剧以来 深耕川剧创作六十余载 [1] - 她的作品先后成就了12名“梅花奖”获得者 她本人在2023年被授予“中国文联终身成就奖(戏剧)” [1] - 徐棻对《红楼梦》情有独钟 其第一部“红楼戏”《王熙凤》诞生于1963年 第二部《红楼惊梦》问世于1987年 [1] - 尽管年事已高且行动不便 徐棻在创作中仍充满活力 被合作者称为“老顽童” 为表达舞美设计想法曾亲自画图 [3] - 徐棻将《红楼之凤》视为其收官之作 并表示“川剧不负我 我也不负川剧” [5] - 徐棻对封笔感到遗憾 因仍有心系题材未及动笔 但年事已高力不从心 [5] 关于川剧行业现状 - 徐棻直言当前川剧编剧面临“后继缺人”的困境 [5] - 长期以来 不少院团重外部引进、轻自主培养 导致编剧人才青黄不接 [5] - 全国成熟的川剧编剧寥寥可数 [5] - 徐棻希望自己的停笔能“逼”出新一代的创作者 [5]